"Autopsia de un criminal" de Ricardo Blasco

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Una de mis manías como ya se habrán dado cuenta algunos de los que por aquí pasan es arremeter contra los títulos y la verdad es que en este caso voy a hacerlo una vez más, en este caso poca escusa hay para haberle puesto uno menos clarificador y por supuesto apropiado. El que lo eligió se quedó agusto, en mi opinión al analizarlo pienso que la palabra autopsia debía darle cierto morbo y criminal más aun, lo que pasa es que en las películas de esta época, criminales pocos y autopsias menos aun.

Es verdad los "malos" que nos muestran las películas españolas de esta época, casi siempre son personajes más bien caraduras y vividores, incapaces de dar la sensación de miedo, de se un elemento terrible, que traiga de cabeza a las fuerzas de seguridad, todo hay que decirlo. Son sujetos de comedida inteligencia, que libran la situación como pueden más bien guiados por el instinto que por su propio intelecto, Carlos (Francisco Rabal), es algo así, un vividor y jugador empedernido que aun mostrando ciertos signos de dignidad no está muy deseoso de abandonar la vida que siempre ha tenido.

Uno de los rasgos que si que podríamos decir que caracteriza a la mayoría es que son unos fenómenos con las féminas, todas ellas beben los vientos por sus apolíneos machos y son capaces de sacrificar el oro y el moro, dar al traste con sus vidas y desviarse del buen sendero. Por supuesto siendo marcadas de por vida por la sociedad dictada por lo masculino que les ha tocado vivir, donde ellas mismas eran mucho más machistas que los los propios hombres.

El caso es que este trabajo de Ricardo Blasco tiene ciertos aspectos que le podrían hacer distinto de la mayoría, sin ir más lejos toda la acción se desarrolla dentro de un piso, algo al menos original, y tiene ciertos aspectos que recuerdan al posterior género del "giallo" italiano. La mano enguantada que no nos desvela al asesino, el que de repente objetos cotidianos se pongan a funcionar sin motivo aparente, la deshinibición de la policía a la hora de resolver el caso, los que van a desvelar los hechos son los propios protagonistas.

La cuestión es que aun teniendo algún aspecto destacable, nos damos cuenta que esta realización tiene más bien poco de cine negro, más bien sería de policíaco pero sin policías, aunque su desarrollo sea nocturno e incluso se intente meter el mundo de las salas de fiesta o cabarets en una de las escenas. Por cierto con música estridente donde la haya, igual que en el resto del film, poco afortunados estuvieron cuando eligieron la misma,.

Por tanto durante el desarrollo de la historia nos enteramos de muy pocas cosas y lo poco que aprendemos la verdad es que no nos interesa mucho, las situaciones que se van dando son prácticamente iguales, muy similares todas ellas, para que al final, todos salgan impunes y la situación se resuelva en un giro final que podría ser más o menos esperado pero que impacta y para ser justos no deja en muy buen lugar a las aclamadas fuerzas del orden que bailan al son que les tocan.

TRONCHA

"The hole" de Tsai Ming Liang

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Adentrarse en el cine del director malayo es meterse en un mundo de realismo, un mundo de actualidad, del presente, del tiempo y la sociedad que le toca vivir, parece moverse como pez en el agua con historias que se desarrollan en la vida cotidiana. Pero que aunque parezca una redundancia están repletas de cotidaneidad, esto hace que cualquier estómago no esté preparado para digerir sus trabajos, si nos quedamos en lo superficial, puede llegar a aburrirnos con su supuesta monotonía.

Como apuntaba en el párrafo anterior las historias de Tsai Ming Liang, nos podrían ocurrir a cualquiera de nosotros, de hecho sería más correcto afirmar que en realidad nos ocurren a diario, no me digan que nunca han tenido problemas con una cañería y el vecino de abajo o de arriba, como ocurre en este film. Lo que hace que este hecho normal sea especial es el prisma con el que nos lo hace ver el director, un enfoque distinto, cargado de sentimentalismo, romanticismo y sobre todo ello fantasía.

La fantasía es la principal característica de los cuentos, por ello desde el primer momento siempre he tenido la sensación que lo que nos narra en sus films son cuentos modernos, de amor, de amistad, de relaciones, de comunicación entre personas, enclavados en piso, apartamentos medio vacíos con lo justo que parecen ser un reflejo de las almas que los habitan. Llenos de personas que acaban dándose cuenta que no pueden vivir tan aislados como a veces se empeñan y que tardan en darse cuenta que necesitan de sus semejantes.

El cine de Ming Liang no necesita de diálogos para ser entendido, la cámara es suficiente para transmitir todo lo que es necesario, precisamente las pocas palabras que esbozan sus personajes tan solo sirven para romper esa especie de silencio sonoro, que no cinematográfico, que se produce escena tras escena y que el espectador piense que sus personajes y su historia sigue ahí. Su función es mas bien de aviso de que siguen ahí que te mantengas pendiente de lo siguiente que va a ocurrir.

Destaco también cierta carga de humor que siempre destilan algunas de las escenas y para apoyar mi teoría anterior de la ruptura de la historia, no se pierdan los "numeritos" musicales de la protagonista, no tienen desperdicio, quizás en un principio puedan sorprender pero después resultan graciosos, e incluso se agradecen.

Como indicaba antes no todo el mundo verá en las películas de este realizador lo que he indicado, estoy seguro de ello, personalmente cuando hago balance de ellas me doy cuenta que en realidad he visto a dos personas que viven en una ciudad y que tienen un problema doméstico. Pero al final del todo me acabo comentando a mi mismo en mi interior que lo he visto me ha gustado que tenía mucho más que lo que la superficie me mostraba.

TRONCHA

"A quemarropa" de John Boorman

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El primer apunte de la reseña lo dirijo al título de esta obra. Aunque es habitual en mi arremeter con las libre-traducciones que hacemos en este país sobre los títulos originales de algunas producciones, en este caso me la tengo que guardar porque han sido fieles al título original (Point blank). Lo que pasa es que después de verla me parece más apropiado el de la novela en que está basada la historia "The hunter" de Donald E. Westlake, bajo el seudónimo de Richard Stark, el caso es que si no es de una manera lo es de otra el caso es protestar por algo, que inconformista soy.

El inicio del film puede parecer un poco caótico ya que se sucede una mezcla de imágenes que nos es un poco complicado de discernir si estamos ante la realidad o todo es fruto del onírico pensamiento de nuestro protagonista Walker (Lee Marvin). No hay porque preocuparse ya que todo se acaba aclarando. Lo que si es digno de mención es que esta técnica a caballo entre la realidad y la ficción se utilice en lo que es el cine negro, pero también se puede decir en su defensa que no estamos ante un ejemplo total de cine de dicho género.

A ver como explico esto para que se comprenda bien, la película es bastante buena, me gusta. El personaje del Walker, me parece fantástico, pero da la sensación que Boorman se acaba metiendo en un jardín, cuando da la sensación de que las cosas no deberían haber sido tan complicadas. Perfecto el dibujo que nos hace del protagonista, un hombre duro y rudo, sin escrúpulos. El problema es cuando intenta vendernos la imagen de galán, de dandy, este no encaja con el rostro de Lee Marvin, o al menos yo en esa faceta no me lo acabo creyendo.

Otra cosa que destacaría es la puesta en escena. No parece dejada al azar, bastante medida en general, sobre todo a la hora de mostrarnos ciertos entornos interiores de los apartamentos y casas donde se desarrolla todo. Incluso me voy a atrever a decir que cuando Walker entra en el baño porque aun no se cree que su mujer haya muerto, comprueba que todo es verdad, que los frascos de esencias que hay en la bañera efectivamente están hechos añicos, mostrándonoslos el director con una policromía líquida con pedazos de cristal, digna del mismo Argento .

Un inicial enfoque del film podría dar que pensar que la idea principal es la venganza. Una vez más, algo de ella hay, no se puede negar. Pero más bien parece que estamos ante un ser sediento de sangre, pero al que no le pueden sus instintos primarios aunque a veces también nos de esa sensación. Sobre todo en las escenas de violencia. Por otro lado Walker es cerebral, calculador, en definitiva inteligente, se sirve del menosprecio que los demás tienen hacia él para declararse en clara ventaja ante sus enemigos.

En resumidas cuentas, y reconozco que no he leído la novela, parece ser que Boorman no lo tenía muy difícil a la hora de haber hecho una obra maestra y sin embargo se queda en un trabajo correcto. Es una pena que se pierda bastante la esencia por el camino. Dejando tiempo en los flecos y no en el meollo de la cuestión que es donde se debería haber centrado, aun así como siempre sigan mi consejo, veanla y saquen ustedes mismos sus propias conclusiones.

TRONCHA

"Destino: Woodstock" de Ang Lee

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Nunca acaba llenándome del todo el cine de este señor, está claro que por muchas cosas que vea, ya tengo cierta predisposición hacia él y no voy a ser capaz de valorarle como lo hacen otros. Tampoco es que me preocupe demasiado esta actitud mía, hay cosas que no y son que no, tampoco hay que exagerar en los análisis. No quiero que se equivoquen y piensen que es que no me gusta su cine, lo que pasa es que lo veo tan perfecto que precisamente eso es lo que me repele en ocasiones.

Está clarísimo por el título de que va el film, si alguno aun sigue despistado decir que fue el mayor concierto hasta el momento que se había hecho en el mundo, con artistas de la talla de Jimmy Hendrix, Joan Baez, Credence Clearwater Revival, Joe Cocker, The Who, Janis Joplin, Santana y muchos más. Se prolongó durante tres días del Agosto de 1969, acudieron medio millón de personas y los rumores comentan que otros doscientos cincuenta mil no lograron llegar.

Woodstock, marca un antes y un después en el mundo de la música y por supuesto de la sociedad americana, este punto de inflexión es lo que Lee pretende reflejar en la película básicamente. Nos va a mostrar a Elliot tiber (Demetri Martin) y su familia como ejemplo de ese cambio, nada va a ser igual en sus vidas, por unas circunstancias u otras todo va a acabar puesto aptas arriba y cuando me refiero a ello lo hago en todos los aspectos, sentimental, humano, económico, etc.

El punto de vista que nos da el director de lo acontecido durante los tres famosos días de concierto no es el obvio, todo gira en torno a la vida del protagonista y no del acontecimiento musical en si, para ello ya estaba el documental de 1970 de Michael Wadleigh . Este particular enfoque me parece totalmente correcto, pero lo que si que no puedo dejar de criticar es que para la música de la película podía haber utilizado mucha de los que actuaron en el evento, hubiera sido una escusa perfecta, pero no la lleva a cabo.

En ocasiones durante el desarrollo de la narración se ayuda de algunas imágenes de archivo, pocas veces hay que ser sincero, en otras parece que le da un tono documental a lo que él ha grabado, todo esto tiene cierta validez y no me parece criticable. Lo que si que no me gusta nada es el abuso que hace en bastantes partes de la película de la polivisión, no estoy nada de acuerdo en que continuamente nos divida la pantalla en "trozos".

En definitiva calificarla de una comedia entretenida, de la que tampoco pienso que se deban sacar demasiadas conclusiones, de hecho los momentos más cómicos de todo el metraje corresponden al personaje de la madre de Elliot, Sonia Teichberg (Imelda Staunton), es de las mejores actuaciones de largo. Por tanto entre fantasía real y lisérgica una vez más este realizador, nos deja un trabajo correcto en el que ha empleado mucho dinero como también es habitual en él y que seguro que volverá a funcionar en taquilla, por tanto si les gusta Lee aquí tienen a Lee.

TRONCHA

"Bajos fondos" de Samuel Fuller

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Si hacemos un análisis por encima del cine en general y a lo largo del tiempo, las ideas principales que inspiran las historias que llegan a la gran pantalla son pocas, una de estas ideas que se repite en numerosas ocasiones es la venganza, quien sabe. El ser humano quizás no es tan bueno con sus semejantes como en un principio pueda parecer, igual clamamos la revancha frente a los que nos hacen daño pero nuestra conciencia social no nos permita llevarla a cabo y tenemos que recurrir a un entorno ficticio como es el séptimo arte para desarrollar dicho deseo.

En torno a dicha idea Samuel Fuller confecciona una película increíble, que acapara nuestra atención desde principio a fin con un estilo de cine potente, desgarrado sin pelos en la lengua, mostrándonos un entorno en el que no cabe la compasión, nadie se sacrifica por nadie. El mundo es así de cruel, nadie duda en poner el pie encima de nadie para conseguir su propósito personal, y por supuesto como no podía ser de otra manera el exponente máximo de esta forma de actuar es nuestro protagonista Tolly Devlin (Cliff Robertson).

Algo que también hemos visto en numerosas ocasiones en el cine es que hay personajes que parecen estigmatizados desde que nacen, tu infancia ha sido marcada por un determinado hecho y esa señal queda para siempre, acabará persiguiéndote el resto de los días, por mucho que intentes alargar la zancada habrá ocasiones en que pagaras por aquellos errores cometidos. Esto es algo habitual en el corte social que se le imprime a algunas producciones en determinados países y décadas, la frase concluyente sería que el que la hace la paga, tarde o temprano.

Debo mencionar que la historia me parece que goza de una gran inteligencia, por lo que veo el principal culpable de ello es el mismo Fuller, según va avanzando el film recibimos las dosis justas de información, lo que realmente necesitamos para hacernos cómplices de la misma y ponernos al lado de nuestro protagonista. Por tanto aunque sea de una forma indirecta nosotros también clamamos venganza en su nombre, aunque sus acciones no sean del todo correctas, de una manera quizás egoísta justificamos los medios para llegar al fin pretendido.

La utilización de la cámara es increíble, sobre todo en una de las escenas cumbre de la realización como es la paliza que se le propina a un individuo en el callejón, como espectadores asistimos a una especie de teatro de sombras chinescas reflejadas en el muro de ladrillo. Donde aunque no vemos directamente la escena sabemos perfectamente lo que está pasando y es que el cine en blanco y negro tiene estas delicatessen para el espectador, ese fantástico universo de contrastes entre ambos colores antagonistas acaba siendo mucho más revelador que el de la policromía que ahora mismo impera en el cine.

TRONCHA

"Monstruos contra alienígenas" de Rob Letterman y Conrad Vernon

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Esta claro que una de las cosas que más me molesta es, ir al cine y salir enfadado por lo que he visto, aparte de que a uno no le ha gustado nada de lo que se ha reflejado en la pantalla, encima ha encontrado motivos para enfadarse con los autores de esta fechoría. Quizás lo peor es que nadie se da cuenta que este trabajo es uno de los mayores engaños de los últimos tiempos en cuanto a imaginación se refiere, sin querer parecer prepotente, cualquiera que tenga unos pocos conocimientos sobre cine debería salir enfadado de la sala.

Por supuesto que voy a explicar los motivos de mi enfado, principalmente debo decir que me parece una película con una carencia increíble de imaginación, se han limitado a imitar otras tantas muchas producciones anteriores de cine de ciencia ficción, para confeccionar esta. La base de los gags del film están copiados de otras producciones, si mi memoria no me falla recuerdo "Encuentros en la tercera fase"(1977), "La guerra de los mundos" (1953), "Mars attacks"(1996), "Star Wars"(1977-2005), "Teléfono rojo: volamos hacia Moscú" (1964), por supuesto "El ataque de la mujer de 50 pies" (1993); y algunas más que seguro que con la indignación se me escaparon.

No critico el hecho que copien o como en otras ocasiones se suele decir rindan homenaje a anteriores producciones del género, lo que me duele es que no tenga más el film, el guión está completamente vacío, no tiene ningún atisbo de originalidad. A veces la narración se encasquilla en diálogos absurdos que no nos conducen a ningún lado, intentando crear una falsa moralina para adoctrinar a los más pequeños y que no incurran en el error de rechazar al resto de seres por muy diferentes a nosotros que sean.

No puedo elogiar nada, porque por desgracia tuve que ver la versión doblada al español y para mas inri han decidido que la voz de Geonórmica sea la de Carolina Cerezuela, contra la que nada tengo, pero podía haberlo de una forma menos ñoña para que hubiera ganado en credibilidad el personaje. No hay gracia en los chistes, ni siquiera los momentos de confrontación a los que hace alusión el título de la cinta son nada del otro mundo.

Concluyendo esta claro que la crisis de ideas del cine llega a todos sus ámbitos, aunque algunos como el gran maestro Miyazaki, por ejemplo, se empleen en mantener alto el listón ante toda la panda de aprovechados que hay y a los que solo les preocupa llenar la saca. El problema es que hasta que no ves una película no te das cuenta de lo aprovechados que son algunos con el dinero del resto, que pena que no se pueda devolver el dinero una vez probado el producto y ver que te han engañado con él.

TRONCHA

"Malditos bastardos" de Quentin Tarantino

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Nadie me puede negar que cuando estamos ante un nuevo trabajo de este director, todos tenemos cierta predisposición a pensar que nos vamos a encontrar. Incluso lo tenemos bastante claro, sin lugar a dudas esto hace previsible lo que posteriormente vamos a encontrar, no se preocupen si buscan lo que Tarantino suele darnos, aquí lo van a encontrar. Los típicos tópicos del cine "tarantiniano" vuelven de nuevo, intenten no aproximarse demasiado a las primeras filas de la sala o en determinadas escenas acabaran perdidos de sangre.

Lo que pasa es que cuando algo se repite a menudo acaba cansando, de momento y hablo de mi mismo aun no ha llegado dicho momento, pero si da la sensación que el realizador de este trabajo, está intentando no cansar al personal, por lo que parece que comienza a probar fórmulas distintas. La aplicación de dichas pruebas le hace menos Tarantino del que estamos acostumbrados, con lo cual esto acaba convirtiéndose en un bucle, del que no crean que nos queda muy claro como salir.

La estructura del film es similar a la de anteriores trabajos el film se divide en distintos capítulos, supongo que para intentar dar cierto carácter de novela pulp a la acción. Al principio incluso tenemos la sensación de que estamos en un western más que en una película que transcurre en la Francia ocupada por los nazis durante la segunda guerra mundial, por supuesto que para que se asemeje al género de Oeste que mencionamos ayuda bastante la típica música de solos de trompeta a la que Quentin nos tiene acostumbrados.

Desde esa primera escena apreciamos que estamos ante un personaje importante el Coronel Landa (Christoph Waltz) un loco genial, inteligente y con un humor realmente mordaz. Si les he de ser sincero, pienso que es el verdadero protagonista de la película, por supuesto que es el contrapunto al heroico Teniente Aldo (Brad Pitt), hombre rudo y bastante vulgar, pero efectivo en sus funciones al fin y al cabo. Es la lucha entre la mente y la fuerza bruta, por supuesto deberán asistir a la velada para saber quien resulta vencedor, en cuanto a la interpretación el coronel supera al teniente aunque este último no lo haga nada mal.

La película tiene buen ritmo aunque en algunos de los capítulos decae, haciendo discutibles algunos de los personajes, el director intenta incluirlos de una manera decisiva en la trama, para hacerlos imprescindibles, pero de verdad que si alguno de ellos se hubiera quedado en casa no hubiéramos perdido nada. No voy a entrar en cuales si y cuales no, lo único que consigue con ciertas subtramas es alargar la película, llevándonos a los ciento cincuenta minutos, que no es moco de pavo.

Podría interpretarse por las palabras del párrafo anterior que el largometraje se acaba convirtiendo en inaguantable, pero no es así, es largo, se podía haber hecho en menos tiempo y con menos cosas, para que quedará más redondeado. Pero es que a servidor le da la sensación que el señor Tarantino cuando se pone a rodar, rodeado de amiguetes y haciendo lo que realmente le gusta se le pasan las horas volando y cuando se quiere dar cuenta tiene material rodado para una serie más que para un film.

Concluyendo decirles que estamos ante un trabajo típico de Tarantino, aunque un poco menos, que destila humor negro por los cuatro costados, en el que vamos a encontrar la violencia y literalidad de la misma a la que nos tiene acostumbrados. Aunque si que se le podía haber pedido que hubiera pasado más tiempo del lado de los malditos bastardos que de los ocupantes nazis, estoy seguro que si así lo hubiera hecho, hubiéramos disfrutado mucho más del film en su conjunto.

Como curiosidad para los amantes de las mismas, decir que entre "gamberradas" y "licencias" varias que se permite nuestro particular director. Hace un homenaje al gran Emil Jannings, figura del cine alemán y por extensión mundial, protagonista de "El angel azul " (1930) guiando los primeros pasos de otra futura gran actriz como posteriormente sería la peculiar Marlene Dietrich.

TRONCHA

"El juez Priest" de John Ford

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Hay directores que tienen mucha suerte y que desde el principio de su carrera comienzan a cosechar éxitos, también los hay al contrario, el gran maestro Ford es de estos últimos, su cinematografía es brutal y claro no todo puede alcanzar la categoría de obra maestra. Pero yo siempre soy partidario de que hay que ver de todo, bueno, malo e incluso peor, el trabajo que ahora mismo nos ocupa no es de los grandes, pero no por ello deja de tener importancia.

Es curioso que en muchas ocasiones del film me parecía de una factura prácticamente infantil, daba la sensación que el mensaje encubierto que llevan algunas acciones y escenas parecen dirigidas a un público menor, el caso es que el trabajo destila optimismo por los cuatro costados. De nuevo estamos ante ese mundo que acostumbra a pintar el director americano en el que todo parece estar impregnado por el optimismo, buena parte de la culpa de todo lo descrito es del personaje principal, el propio juez Priest (Will Rogers).

El marco en el que se desarrolla la acción en mi opinión parece bastante reseñable, la acción se enmarca en un pueblo de Kentucky, por supuesto de ambiente sudista, un pueblo de perdedores, por muy duro que suene decirlo, vencidos pero orgullosos de su condición le buscan la vueltas a la vida para sacarle el lado bueno e intentar disfrutar de ella ante la adversidad. Priest, es un filántropo, un mecenas de sus convecinos, paradigma del optimismo, lo de ser juez quizás es lo de menos, algo circunstancial de lo que en una determinada escena el mismo se da cuenta.

Puedo asegurar que esta es una de las obras menores de este gran director y que no vamos a ver grandes cosas dentro de ella, pero si por contra le sirvió de "entrenamiento" para el futuro, bienvenido sea para nosotros los amantes del cine. En este entorno sudista el director aprovecha para hacer cierta crítica, sin ahondar demasiado, de algunos de los vicios y defectos de la sociedad de aquella época, en este aspecto se vislumbra cierto avance mental en cuanto a otras bastante más retrogradas.

Como colofón indicar que a lo mejor es una percepción mía pero me gusta como nos pinta ese ambiente sureño en el que parece que las diferencias que existieron en su día en cuanto al color de la piel, parece que todo ahora es armonía, no olvidemos que como indique al principio la narración roza la condición de cuento infantil y que a veces nos hace olvidar ante quien estamos. No obstante atrévanse a verla, no van a perder el tiempo y descubrirán que el famoso pollo frito no es el invento de una franquicia que se estableció en nuestro país hace poco más de una década, sino que viene de más atrás, ¡ay! quien pillara aquel y no el de ahora.


TRONCHA

"Shadows" de John Cassavetes

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Tras mucho insistir y oir hablar bien del cine del señor Cassavetes, decidí adentrarme en sus trabajos, comenzando por este concreto, de verdad no me avergüenza reconocer que soy una persona que todavía me falta mucho por ver y que hay realizadores que no se han pasado nunca por delante de mis ojos. Pienso que una vida no es demasiado tiempo al fin y al cabo y que hay que disfrutar de lo que nos rodea, sin ser muy exigentes y siéndolo en otras ocasiones, el caso es que aquí estamos con su primer trabajo.

Los inicios de cualquiera no son fáciles, quien diga lo contrario, miente o es que ha tenido una suerte inmensa, incluso cuando se echa la vista atrás a veces vemos nuestros propios errores, pero ya es tarde para enmendarlos aunque no para aprender de ellos. Esta reflexión es la que parece que se hace el director, supongo que no nada más acabar la película pero si cuando echara un vistazo a la misma desde el futuro.

El caso es que el regusto que me queda al visionar su primer largometraje como director es bueno, si realizamos un análisis profundo del mismo probablemente acabaríamos desmembrándolo de tal manera que no habría por donde cogerlo. Pero tampoco sentimos tal necesidad, está claro que nos hayamos ante un ejercicio de relativa juventud al menos artísticamente hablando y esto se nota en la rapidez del desarrollo de la acción y en la improvisación continua en cuanto a la interpretación, algo que no es un secreto pero que se revela en el final de la película.

Cassavetes parece mostrarnos una especie de New York decadente de los años cincuenta en la que nadie parece tener un rumbo fijo, unos por un lado intentando generar un horizonte de trabajo y sobre todo lo que es común a todos ellos es la relación con el ser humano del sexo opuesto. Incluso el ejercicio nos muestra dichas variantes en cuanto al trato de unos con otros, independientemente del estamento que cada uno ocupe, parece que intenta decirnos que el ser humano tiene las mismas pretensiones se encuentre donde se encuentre dentro del escalafón social.

Asistimos a un gran periplo de imágenes muy dinámicas con cierta similitud entre unas y otras, con un uso característico de la cámara, sobre todo en los exteriores, que parecen reflejar aun más esa decadencia de la ciudad, cuando persigue a los protagonistas en una de sus juergas. Por contra en los interiores los primeros planos son abusivos, quizás demasiados, agradeciendo los momentos en los que amplia el ángulo y se nos regala un plano medio, el caso es que el conjunto merece la pena para a posteriori enfrentarnos con ejemplos de mayor bagaje

TRONCHA

"Secuestro de una mujer" de Fernando di Leo

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Volvemos un poco a la senda habitual del director o al menos a la que uno prefiere, la de la seriedad, esta supuesta tercera entrega es más similar a la primera que a la segunda, aunque voy a volver a insistir que realmente no he descubierto que une a las tres producciones, en este último caso la acción de los mafiosos se desarrolla en Palermo.

Este trabajo parece que tiene unas miras bastante más amplias, incluso podemos ver una cierta crítica global a lo que es el general de país de la bota. En las anteriores producciones la policía ni siquiera ocupa un papel presencial, son muy pocas las referencias al cuerpo de seguridad, sin embargo en este caso si que parece que entramos en sus entresijos a través de la corrupción de sus integrantes, sobre todo los de más arriba.

La composición de la historia parece bastante ordenada, recuerda a las típicas producciones donde se pretende explicar la estructura de la mafia, en concreto la composición de la familia y la importancia de dicha unidad de organización dentro de la sociedad y tradición italiana. Esto es lo que acabará dando credibilidad h sobre todo una seriedad que se agradece a todo el conjunto.

Sin embargo casi todo en este mundo tiene su contrapunto y lo que merma dicha veracidad son los actores, en su gran mayoría sus interpretaciones tienen tan baja calidad que de verdad que no merecen la pena, además la gesticulación es tanta en sus acciones que restan crédito a lo que vemos.

Punto y aparte merecería el título, que en este caso corresponde a lo que vemos, pero hay que reconocer que el secuestro no es nada al uso, eso si, acaba sirviendo como excusa para que volvamos a reincidir en el tema del destape. Es curioso como se podía tener tan mal gusto a la hora de mostrar a las féminas ligeras de ropa, el caso es que ahí queda la cosa.

No podemos exigir demasiado a esta película hay que verla con ojos benevolentes, no demasiado ejecutores, pensando que estamos ante un cine casi de denuncia. Con aspectos flojos sobre todo en cuanto a la interpretación, pero que se ajusta más a lo que estamos acostumbrados dentro de lo que es este tipo de genero, lo que si que nos deja un poco con los ojos abiertos es que la película no termina con el típico FINE (Fin en italiano) sino con un “Continuará” que realmente no se a que obedece.

TRONCHA

"Nuestro hombre en Milán" de Fernando di Leo

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Después del buen sabor de boca que me había dejado el anterior trabajo que el director italiano había rodado ese mismo año como era "Milán, calibre 9" (1972), me adentré totalmente ilusionado en este nuevo proyecto. Incluso en algunos mentideros se había considerado que el trabajo que ahora acometo, junto con el anteriormente mencionado y "Secuestro de una mujer" (1973) forman parte de una trilogía, desde aquí decir que no estoy de acuerdo.

No existen bajo mi punto de vista las coincidencias necesarias como para que se pueda conceder la denominación de trilogía, bueno, yendo al trabajo que ahora nos interesa, podremos decir que la situación vuelva a ubicarse en Milán. Algo a lo que quizás no estamos demasiado acostumbrados, di Leo, con esto parece demostrar que el hampa y la mafia italiana no solo trabaja en el sur, donde históricamente siempre han sido más conocidos, incluso al otro lado del Atlántico en Estados Unidos.

Como apuntábamos en anteriores párrafos es supuesta segunda entrega de la trilogía se caracteriza por el contraste con la anterior “Milán, calibre 9”. Partiendo del personaje del protagonista Luca di Canale (Mario Adorf) en el que no vemos al típico gangster de corte caballeresco al que habitualmente nos tiene acostumbrado el cine negro, aquí estamos ante un hombre más primario, que rige sus acciones por el impulso y sobre todo marcado por el instinto de supervivencia, pero por encima de todo esto el afán de venganza.

La acción tampoco es siquiera similar, en nuestro trabajo las peleas y escenas de acción se asemejan más a una película de lucha oriental, para nada tienen la carga de sobriedad que exige el género. Estamos acostumbrados a lides de cierta elegancia entre enemigos, pero en nuestro caso a veces roza más las acciones de pandilleros de Hong Kong con incipientes conocimientos de artes marciales.

El que suscribe estas palabras y muchos de los que probablemente a posteriori las lean, sabemos lo que es el carácter latino, los pueblos que el mediterráneo baña en su gran mayoría gozan de una fogosidad que nos comprensible para pueblos más hacia el norte. La producción es un reflejo de este carácter, las escenas de destape y de desnudos baratos se suceden una y otra vez, con poco gusto, que recuerdan aquella maldita época del cine patrio llamada destape.

TRONCHA