"No matarás" y "No amarás" de Krzisztov Kieslowski

Inmersión inicial por parte de mi persona en el cine del director polaco, y debo reconocer, que ha sido un encuentro al menos agradable, no me ha disgustado para nada el conjunto de la película, tanto la historia como la construcción de la misma, resulta reseñable también la forma de rodar y los personajes en si, destacando bajo mi punto de vista las localizaciones y la fotografía de la obra.

En realidad la historia principal gira en torno a la figura de Jacek (Miroslaw Baka), joven condicionado psicológicamente por al muerte de su hermana pequeña, de la que de alguna manera se siente culpable y acaba condicionando su propio destino, la película se plantea desde tres puntos de partida distintos que de alguna manera acabaran confluyendo antes o después, representadas en el peregrinaje por toda la ciudad y por su propia vida del protagonista Jacek, de un joven abogado Balicki (Krzysztof Globisz), recién salido de la facultad y un pícaro taxista Waldemar (Jan Tesarz).

Entre estos tres personajes, el director polaco forma un mágico triángulo de experiencias vitales, enclavadas en una sorprendente Varsovia, fría y gris, con unas localizaciones estupendas, que en ocasiones nos recuerdan cuadros o postales, intenta acentuarnos la grandiosidad de los espacios y edificios, ante la minúsculo del propio ser humano.

La utilización de la cámara llega a ser algo relevante ya que en gran parte del film, utiliza un semi-fundido de la imagen lo que todavía le añade más sordidez y un nivel más de drama al largometraje, con lo que no estoy muy de acuerdo es con el rodaje de escenas cámara al hombro, me reitero una vez mas en que la el objetivo cuanto más quieto esté mejor para el mundo del cine.

La idea principal de la obra es la muerte por supuesto, muerte que acaba representada en cada uno de los personajes, de una manera u otra, y que acabará uniendo los tres hilos de la historia, destacar la minuciosidad con la que se trata el tema, los preparativos, los detalles que nos muestra el director a través de la imágenes, para de alguna manera crearnos una atmósfera de tensión que acaba desencadenando una especie de frenesí en las últimas escenas.

Agradable resultado, con matices distintos a otros directores, da la sensación de estar ante un cine muy personal.

En "No amarás" (Krótki film o milosci) o "Una historia de amor" como tambien se la ha titulado, Kieslowski, nos viene a mostrar como cualquier cosa puede ocurrirnos a cualquiera en la vida, seamos inocentes o experimentados, incluso encontrar por muy tarde que sea el amor, nunca sabiendo de que manera va a llamar a nuestra puerta, y por muy curtidos que parezcamos, y creamos haberlo vivido y disfrutado todo.

En el recorrido de la cinta, el director es capaz de manipular, por decirlo de alguna manera, nuestros sentimientos, llegan a tomar más o menos cariño a cada uno de los personajes, mostrándonos una historia más bien simple, y posicionándonos en cada uno de los ángulos que a él le conviene.

Partiendo de una obsesión que pasa de un frente a otro, convirtiéndose la misma en un personaje más de la película, la cual se sustenta en tres actores simplemente, pero para que más, con esta sensación de sencillez y de parquedad de conjunto, el director polaco, consigue crear una obra maestra, acompañada con una música muy acorde con la misma.

Nos encontramos ante lenguaje cinematográfico puro, cada escena es capaz de revelar los sentimientos de cada personaje y colocarnos en el pellejo de cada uno de ellos, Tomek (Olaf Lubaszenko) un inocente y sensible joven que a través de un teleobjetivo acaba enamorandose de su vecina de enfrente, Magda (Grazyna Szapolowska) una mujer de esplendida madurez, que vive aguerrida a la pasión sin conocer el amor, por muchos intentos que haga a través de los amantes que lleva a su apartamento, y por último la madre de adopción de Tomek (Stefania Iwinska), la mesura, la protección desmedida, el amor maternal.

Volvemos a encontrarnos como en el caso de "No mataras" ("Krótki film o zabijaniu") otro triangulo dentro de la historia algo que parece agradar a Kieslowski, sutilmente nos transporta desde el delicado amor del protagonista hasta que de alguna manera la acción rompe de una manera trágica invirtiéndose los papeles y transfiriendo de alguna manera dicha obsesión y descubrimiento del amor puro para la bella y experimentada vecina, y siempre en medio el papel conciliador de la madre.

Sobre todas las escenas del film, destacaría la final, de una sutileza increíble, y que como ya he indicado con anterioridad expresa todo los sentimientos que pueden embargar de repente a un ser humano cuando se enfrenta a algo desconocido como en este caso es el amor.

TRONCHA

"Los crímenes del Dr. Mabuse" de Fritz Lang

Como diría un amigo mío Fritz Lang es Fritz Lang, y siempre que estemos ante una película suya debemos ponernos alerta ya que podríamos encontrarnos ante una obra maestra, no es el caso la verdad, aunque debo reconocer que no es del todo fallido el intento de “resurrección” del mítico Dr. Mabuse (Wolfgang Preiss). Nos encontramos ante una obra aseada, aunque realmente desacertada en cuanto a la historia, resulta un poco forzado el recuperar el personaje de Mabuse, cuando en las anteriores películas ya había dado cumplida cuenta de él, y habían alcanzado una calidad bastante buena.

Nos vemos involucrados en una trama de secretos, muertes, asesinatos, en la que el fin principal una vez más es conseguir de alguna manera el control de la humanidad, eso si lo reseñable es la forma de hacerlo o de conseguirlo, recurriendo incluso al matrimonio, para apoderarse de la fabricación de misiles.

Un nuevo y camaleónico Mabuse, no dudará en llevar a cabo sus planes cueste lo que cueste, eso si, Lang a lo largo del film, nos irá mostrando una serie de personajes, que ninguno de ellos, es lo que aparenta ser, y por supuesto el culpable nunca se conocerá hasta el final.

Relevante la estética de “Chicago años 20”, aunque la película realmente está ambientada en un país de Europa, probablemente Alemania, también se destaca una cierta carga de erotismo que me resulta curiosa, en alguna de las escenas de la protagonista. Y por último, reconocedor que el ambiente que genera la tecnología que utilizan es muy “kitsch” como dirían los modernos de ahora.

Por supuesto en un cine que todavía no tenía el exceso de recursos, para crear distintas situaciones, destaca muchísismo la expresión de los ojos de los personajes, para poder crear tensión, suspense, misterio en el espectador, todo ello aderezado con una iluminación muy incidente en los rostros, esas luces de abajo a arriba que alargan los rasgos faciales y que crean cierto terror.

Resultado aseado, pero con pretensiones bajas, entretiene, pero se hace muy previsible, quizás Mabuse debería seguir donde estaba, aunque insisto Lang es Lang...

TRONCHA

"Match Point" de Woody Allen

Debo reconocer que no soy ni muchísimo menos uno de los admiradores del cineasta estadounidense, sino más bien lo contrario, no llego a comprenderle en muchas ocasiones, aunque debo reconocer que su cine, está impregnado de su sello, y que de una manera u otra, sabemos cuando estamos frente a una obra suya, no obstante el cine es cine, y por ello me gusta, y como siempre decía mi madre, para saber si te gusta algo, primero hay que probarlo.

Reconozco que no acabe con disgusto mi degustación de Allen, me pareció una película, perfectamente construida por supuesto marcando los tres tiempos característicos, eso si me gusto muchísimo más la presentación de los personajes y el desenlace final, que la parte central, en la que debo decir que se regodea demasiado, y de alguna manera bajo mi punto de vista reitera situaciones con frecuencia, sin llegar a arrancar hasta que la trama de repente rompe, más bien estalla.

Toda la historia gira en torno al protagonista Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers), el cual puede suponer un icono para las jovencitas, no así un valor reconocido, en cuanto a la interpretación o al menos en el papel que desarrolla en este film, no así como Nola (Scarlett Johansson) que me parece bastante correcta y acertada, sobre todo cuando cobra protagonismo su personaje al principio de la obra, aunque poco a poco el director nos lo vaya apagando.

Una vez más nos encontramos ante el típico cine de Allen, de grandes diálogos y sobre todo de enmarañamiento de relaciones personales, con desenlaces tanto trágicos, como cómicos, por supuesto comicidad de un tono muy oscuro, y bañado de torpeza, y sino atengámonos al rocambolesco final, o sino de alguna manera la semejanza que se nos plantea entre la suerte en la vida, de la que hace gala el oportunista protagonista y el golpeo de una pelota de tenis en la red, antes de caer de un lado o de otro, esta analogía me parece muy buena.

Una de las cosas que destaco del largometraje es que el director en su afán de perfilar de forma correctísima a los personajes y para que de alguna manera ello nos quede claro a todos son las constantes localizaciones de tiendas de marcas caras de Londres, algo que remarca continuamente, para no hacernos olvidar el mundo en el que ha sumergido al protagonista y en el que parece zozobrar continuamente.

Agradable resultado, sinceramente, y estaría mal decirlo, me entretuve, e incluso alguna ocasión esboce alguna sonrisa…

TRONCHA

"Exiled" de Johnny To

Hace unas cuantas entradas dí mi opinion de una pelicula del Maestro Johnny To "The Mission".Acabo de ver "Exiled" que es su segunda parte y... que decir...Si la primera era magnifica, esta segunda es una puta obra maestra.

Con referencias al cine de Leone (incluyendo la banda sonora), a Jean-Pierre Melville y para mí homenajes al cine de Coppola y su "El Padrino". Con una escena final que da por tierra con la lucha de Kill Bill. Personajes cuidados, respetando su origen en "The Mission".

La verdad es que por lejanía no se como será el mundo de las triadas pero To sabe sacar una estética de la violencia que te hace pensar en un codigo de honor especial. No como el Samurai ni como el Siciliano, tiene más humor y unas reglas distintas, pero igual de atractivo.La historia continúa varios años despues del final de la anterior y por no desvelar la trama sólo diré que varios asesinos que están unidos por la amistad y por lazos de honor inquebrantables se van a ver de nuevo en la diatriba de traicionarse entre sí o morir. Miles de balas despues, con unas coreografias dignas de elogio por lo precisas (espectaculares pero sobrias, no al estilo circense de John Woo, más bien como en Reservoir Dogs), se verán ante la situación final extrema.

Ahora que To ha sido portada de Cahiers du Cinéma probablemente se oirá un poco más hablar de este director. Aunque me temo que el cine hongkonés nunca se verá en un multicine.

Supongo que sólo hay dos maneras de ver la pelicula, una como yo la he visto gracias a allzine y otra en algún festival. Pero si teneis la mas minima oportunidad de verdad que os lo aconsejo. Lo suyo es ver las dos seguidas "The Mission" y "Exiled".

DES

"Trenes rigurosamente vigilados" de Jiri Menzel

Me enteré después de verla que fue Oscar a la mejor película extranjera en el año 1966, hay veces que los hay gente sensata que piensa en el buen cine para darles premios, aunque debe ser en pocas ocasiones o así me parece a mí.

Esta es una de las películas que depende el momento, día, ocasión, de tu vida que te pille te gusta o no, yo pienso, que siempre me hubiera gustado, lo primero y definitivo a destacar, que siendo del año que es (1966) sea en blanco y negro, adoro esa dualidad.

Película basada en la Checoslovaquia ocupada durante la segunda guerra mundial, esta basada en la novela del mismo titulo de Bohumil Hrabal, desconozco la típica opinión que no soporto: “¿Qué es mejor la película o el libro?, lo desconozco y me alegro, me gusta la película, se acabo.

Película muy simbolista y de iconos, sobre todo con un matiz muy erótico, basado en las relaciones entre hombre y mujer y sobre todo en las relaciones sexuales. Podría entroncar fácilmente con la famosa corriente simbolista alemana, escenas muy bien cuidadas, y muy buena presentación de los personajes, con muy poco dialogo y mucha imagen (algo de agradecer) sabemos que puesto ocupa cada uno de ellos.

Incluso debo reconocer que al principio de la misma aparece la figura del narrador, el cual nos situa dándonos una serie de pinceladas de la familia del protagonista (Václav Neckár), y no resulta pesada como en otras ocasiones en la que nos lleva demasiado de la mano dentro de algunas películas, dicho narrador nos da una serie de matices que no dejan de ser muy caricaturescos de esa familia, e incluso de un humor negro, rozando lo macabro.

Prácticamente no es una película de exteriores, pero si una película de trenes, y a muchos de nosotros nos han gustado desde pequeños los trenes, de alguna manera esto nos atrapa, aunque lo realmente importante es la relación entre personas, en un ecosistema de trenes, guerra y ocupación.

Muy agradable de ver y con una duración muy apropiada.

TRONCHA

"La caza" de Carlos Saura

Esto también es cine español, pero ya es otra cosa, es algo nuevo, en referencia a lo habitual y normal que se hacía en la época, estas son el tipo de películas que deberíamos haber ido haciendo, para que de alguna manera nuestro cine hubiera podido ocupar un respetable puesto dentro del panorama mundial. Pero en fin tampoco vamos a llorar, hay lo que hay, y no tenemos porque estarnos quejando continuamente, supongo que habrá que ser realistas y tirar para adelante con lo que hay.

De primeras y desde el principio lo que principalmente destacaría sería el ambiente de la película, el clímax, el entorno, la situación en si, que de alguna manera acaba convirtiéndose en un personaje más de la película, y que por supuesto acaba siendo decisivo tanto en la construcción del film, como en el desencadenante del resultado final. Saura nos crea un ambiente tórrido, en cuanto al clima y también en cuanto a las relaciones de los distintos personajes, una torridez que emana un calor pegajoso, del que no se pueden desprender los protagonistas, por ello el clima y el clímax, andan de la mano, no pueden ir por separado en la película. Influyendo tanto uno en el otro como viceversa.

Un grupo de amigos, decide hacer una jornada de caza de conejos en el campo, cada uno de ellos imbuido en sus pensamientos y preocupaciones, y por supuesto con el recorrido de sus vidas a sus espaldas, el director, nos va a hacer una exhaustiva presentación de cada uno de ellos, y de la relación que tiene con el resto, no nos va a dejar lugar a la duda, incluso durante el film, continuamente vamos a ver como cada uno de ellos acaba expresando sus pensamientos, mediante esa voz interna que el espectador logra escuchar.

Son relaciones tensas y duras, todas ellas ancladas en el pasado, un pasado, más glorioso para unos, que para otros, pero que el tiempo parece haber cambiado, y que de alguna manera convierten el presente en algo bastante distinto, a aquellos recuerdos de juventud, el alcohol, las armas, y sobre todo el calor, quizás agravado por el conato de incendio que se produce, suponen un caldo de cultivo explosivo, cuando empiezan a aparecer los reproches y rencillas que de alguna manera habían estado hasta ese momento latentes, aunque también debo decir que el final de la historia me parece un poco precipitado, ocurre con excesiva rapidez bajo mi punto de vista, aunque por supuesto se ve venir.

La verdad es que el que la película sea en blanco y negro, ayuda a crear ese ambiente ya referido con anterioridad, al igual que la dureza de los rostros, sobre todo el de Fernando Sánchez Polack (Juan, el guarda), hombre que vive en y del campo, aunque el resto de rostros también se ven bastante parejos con sus condiciones de vida. Aparte de esto también reseñar la carga de sensualidad que tiene la cinta, representada en el personaje de un jovencísimo Emilio Gutiérrez Caba (Enrique), que parece bastante atraído por adolescente sobrina del guarda. También presente en las revistas y algunas de las conversaciones de los personajes.

Como no podía ser de otra manera el largometraje tiene sus elementos simbólicos, como es el caso del maniquí que compra Luis (José María Prada), para hacer tiro al blanco, con su rifle, más interesado en lucir su arma que en la caza en sí, la caza se acaba convirtiendo en un pretexto para que todos de alguna manera entablen relación con el resto, por supuesto con un resultado final trágico, otro elemento de simbolismo son los hurones, la casa donde reside el guarda, la lectura de libros de ciencia-ficción, casi todos los elementos tienen un significado, y no son fruto del azar.

Es una muy interesante película, agradable de ver, y de una factura correcta, quizás mejorable en su construcción pero bastante acertada en el conjunto global…

TRONCHA

"Santa Sangre" de Alejandro Jodorovsky

Cuando uno se pone a ver, a leer, a mirar algo que ha hecho el propio Jodorovsky, no puede por menos que prestar atención, incluso cuando por alguna razón, escuchamos o vemos una entrevista a este particular chileno, suelo prestarle atención ya que me parece un personaje de lo más peculiar, alguien que ha ido probando todos los campos o temas que le han apetecido durante su vida.

En esta película colorista y coreográfica nos vamos a encontrar una historia, relacionada con el mundo del circo, ese mundo mágico que siempre nos ha atrapado desde pequeños, como realmente le llega a ocurrir al protagonista Fénix (Axel Jodorowsky), un mundo de ilusión, de sueños y de fantasía. Incluso en ocasiones me recuerda a la película “Freaks” de Tod Browning, claro está por el tema del circo, y de sus habitantes en si, aunque en la de Browning los personajes son más esperpénticos.

Fénix vive en el circo, su madre y su padre realizan sendos números dentro del mismo, ella trapecista, y él lanzador de cuchillos, ambos parecen llevar caminos distintos en la vida aunque estén casados, Concha (Blanca Guerra), es miembro de una sub-iglesia denominada de la Santa Sangre, creada a partir de la mártir Santa Lirio, joven a la que le cortan los brazos y acaba violada en un charco de sangre. El padre (Guy Stockwell) queda atrapado por la sensualidad de la mujer tatuada (Thelma Tixou).

Esta situación lleva al desenlace fatal, la madre descubre la infidelidad del padre arrojándole ácido sulfúrico y este le corta los brazos, para posteriormente suicidarse él, todo esto lo ve el hijo quedando traumatizado durante el resto de su vida, siendo internado en una institución. Durante todo el largometraje vemos que Fénix está atrapado por los deseos de su madre, más bien los brazos es como si fueran de su propiedad. Hasta llegar a un final que rompe con todo lo anterior provocado por un antiguo amor de su infancia circense.

Jodorovsky, trata varios temas en esta película, además temas en los que siempre él mismo ha comentado estar muy interesado, como la santería, realmente el film está basado en ello, y la influencia que hace sobre el protagonista, todo el largometraje en si, está cargado de plasticidad, de colorido y de alguna manera es muy coreográfico, incluso el productor era Claudio Argento, con lo cual no se porque a mi se me hacen ver influencias de su hermano Darío, como son algunas de las iluminaciones en los rostros, el tema de los cuchillos, incluso el tratamiento que tiene el director, en algunos de los asesinatos.

La parte que más me gustó de la película es la de la muerte y posterior entierro del elefante, la verdad es que está cargada de simbolismo, cada uno supongo que podrá interpretarla a su manera, y la mayoría supongo que no sabremos ni en que llego a pensar Jodorovsky cuando la hizo, aunque tiene cierto tono purificador, la muerte de uno implica el renovarse o empezar a vivir de otros.

Las escenas en las que Fénix hace la parte de los brazos de su madre es muy original, me parece que tiene muchísima plasticidad, llevándole a cometer los asesinatos que comete y no dejándole ser feliz a través del amor, todo parece real y así lo cree aunque al final acabe detenido, de alguna manera acaba purificado y siendo él mismo.

TRONCHA

"Izo" de Takashi Miike

Es una especie de protesta, reacción, explicación de la sociedad japonesa, y todos sus estamentos.
Si te das cuenta Izo (Kazuya Nakayama) es el pasado, son los fantasmas del pasado, el origen de la nación japonesa que como tu bien sabes se fundamenta en la lucha de clanes y sobre todo la sangre, asesinatos y conjuras una tras otro, en definitiva un mundo de miedo, terror y conjuras.
Miike, le pone tanto en el presente como en el pasado, y a través de ese camino, en el que en varias ocasiones, dice que él siempre esta solo, (me recuerda a “Lone Wolf”, que pudiera tener cierta influencia) lucha con todo lo que se le pone delante, si analizas las escenas, lucha contra el ejercito, contra la clase acomodada (los oficinistas, yupies), la familia, la educación, la religión, la aristocracia, incluso el racismo (lucha contra un negro) y consigue derrotar a todos, menos a uno.......la monarquía, al final de la peli, es el único que le derrota, porque pienso, que realmente es quien le ha engendrado aunque fuera al principio de la historia nipona.

Aun así, la conclusión final para mi, es que Japón no puede escapar de su pasado de luchas y guerras continuas, en definitiva un pasado de sangre, por eso Izo, vuelve a nacer una vez más, convirtiéndose en un circulo vicioso del cual esa sociedad oriental no puede escapar.

Aun así, no me gusta mucho como esta construida la película, me parece un surrealismo total para expresar estas ideas, incluso el recurso de algunas películas de acudir a imágenes de archivo para hacer flash backs, no me convence en absoluto. La sin interpretaciones de lo mas normalito.
Quizás el personaje que más me impacta es el cantautor , sobre todo la forma de interpretar las canciones, ¿qué decían las letras de las mismas?, en fin......habrá que aprender japonés.

TRONCHA

"Lancelot du Lac" de robert Bresson

De lo visto hasta el momento del cineasta francés, esta obra supone una incursión en el llamado cine histórico, o al menos por el envoltorio, puede parecerlo así, podría parecernos algo similar a su otro film "Procès de Jeanne d'Arc ", aunque según palabras textuales del director, en esta última película mencionada, tan solo se limitó a leer el documento original del proceso y plasmarlo tal cual en su obra.

Pues en este caso Bresson se introduce en el mundo del rey Arturo (Vladimir Antolek-Oresek) y los caballeros de la tabla redonda, por decirlo de alguna forma, aunque más bien se centra en la figura de la reina Ginebra (Laura Duke Condominas) y su caballero y amante sir Lancelot (Luc Simon), aunque de hecho la historia sea del otro lado del Canal de la Mancha, bajo mi punto de vista no deja de tener cierto afrancesamiento, pretendiendo de alguna manera el director galo, de hacerse para sí y su pais con dicha historia, insito que quizás sea una obsesión mia.

Una vez más reivindico al Bresson que se pone en contacto con el entorno natural, que de alguna manera con su película escapa del mundo urbanita, sus singulares y únicos actores, aprecen moverse mejor en entornos campestres que en entornos de ciudad, aunque en el caso en el que estamos quizás falle un poco la ambientación, intentando dar a la película cierto tinte modernista.

Esa modernidad viene reflejada por los decorados y vestuario de los personajes, al igual que las relaciones entre ellos, son relaciones mas progresistas, que podrían perfectamente estar enclavadas en el siglo XX y no en la Edad Media que es realmente donde tiene el enclave histórico el relato, la relación de entre Ginebra y su caballero es mas bien consentida por el engañado y resignado rey Arturo, aun así el guión a veces parece descolocarnos como en anteriores producciones suyas, y la culpa la tiene esa carencia de interpretación de los actores que se sitúan delante de la cámara para en ocasiones soltar diálogos carentes de fuerza y que no logran empalizar con el espectador, llevándolo a su terreno.

Curiosamente es una película de duelos y contiendas en las que no se ve ni una sola lucha, aunque de alguna manera si que vemos las consecuencias de estas, a través del reguero de muerte implícito a las mismas, me pregunto si es que Bresson no se vio capaz de rodarlas o que dejo al espectador y a su imaginación para que de alguna manera cada uno tuviéramos las nuestras propias. Esta técnica tampoco me parece del todo criticable ya que siempre he sido un defensor del lenguaje cinematográfico y en este caso aquí goza de su estado más puro. Es más solo se ve un combate al principio y la estética sinceramente es muy poco lograda.

En resumen no es una muy desacertada película del cineasta francés es la que vemos la historia del mítico rey británico, su esposa y caballeros desde una nueva perspectiva.

TRONCHA

"Aquarius" de Michael Soavi

Especie de giallo, producto un poco raro de Soavi, que la verdad todo hay que decirlo tampoco es muy acertado por su parte. Vemos en todo momento representados los típicos factores de las películas del género, de hecho nada más empezar la primera escena atraviesa el encuadre un gato negro que luego veremos que se llama Lucifer, claro no podía ser de otra manera.

Por supuesto con su componente de carga erótica como en muchos productos italianos de este tipo, insistiendo en lo anteriormente dicho, nos colocamos enfrente de una película, que le da lo mismo la representación de sus actores, intenta impactarnos a través del asesinato y la estética del mismo, sin conseguirlo, todo hay que decirlo, creando esa especie de clímax a través de la música previa al susto o aparición de la sangre que vamos a ver.

El maestro sin duda de este tipo de cine es Darío Argento, y en la obra que tratamos parece ser que intenta ser imitado, sin llegar a conseguir prácticamente nada que quede a la altura de las películas de Darío, las escenas son reiterativas y sobrantes, a diferencia de otros giallos, en este caso sabemos quien es el asesino desde el primer momento de la película.

El guión se hace insoportable y totalmente previsible, a los tres primeros cuartos de hora de la película ya sabemos lo que ha pasado, y no queda nada por ver, solamente que el director nos vuelta a tener otros cuarenta y cinco minutos de aquí para allá entre el asesino y esa última víctima que siempre escapa y que arroja luz sobre el asunto.
En definitiva nada más que decir, si alguna vez tienen tiempo para ver esta película, no lo hagan utilícenlo para otros menesteres, lo agradecerán, háganme caso.

TRONCHA

"El imperio de los sentidos" de Nagisha Oshima

Película conocida donde los haya del cine japonés, todo el mundo prácticamente ha oído hablar de ella, bien sea de una manera o de otra, tanto en el plano positivo, como en el negativo, no obstante paso a analizarla, siempre contando mi inclinación favorable a lo que es en general el cine venido de las latitudes asiáticas, no obstante como decía tanto como el que la ha visionado como el que no, emite una opinión sobre ella, por supuesto más o menos acertada, dependiendo de cada uno.

Las ideas principales del film, son la muerte y el sexo, ambas conviven de una forma totalmente unánime, formando una férrea simbiosis, no nos engañemos que no solo trata de sexo, lo que ocurre es que las imágenes son totalmente explicitas en cuanto a este género incluso si se me permite decirlo, la insistencia en el tema sexual se hace exagerada en ocasiones, llegando a ser obsesiva, no solo por los protagonistas, sino también por el propio director, en algunas escenas se hace bastante reiterativo, sin aportar mucho más a la obra.

Por supuesto, que de alguna manera el cineasta japonés lo que intenta es una película, provocadora, y a fe que lo consigue, ya que es imposible que nos deje impasibles ante la visualización de la misma. La historia de amor entre los protagonistas, es lo único que se nos muestra durante el largometraje, es tanto tan presentes las figuras de la muerte y el sexo, que podríamos incluso decir que son dos personajes más.

La historia acaba sumiéndose en una espiral desenfrenada que solo puede llevarnos a un trágico final, al que cualquier espectador puede notar que los amantes se ven avocados, ese afán de superación de llevar todo al extremo, no puede acabar sino de la manera que termina, eso si, prepárense, porque aun así Oshima, nos prepara un regalo final, expresado en el objeto de culto y veneración de la misma protagonista.

Siempre hago la misma apreciación, indico que las películas orientales hay que verlas a veces con los ojos de los que las realizan, aunque en este caso, la mayoría de las escenas son tan explicitas, que damos poco margen a la interpretación de los hechos, siempre he pensado la capacidad de los actores, para realizar dichas escenas, ya que muchas tienen su mérito, y cualquiera no sería capaz de hacerlas.

Por tanto nos situamos enfrente de un producto, no muy habitual dentro del cine oriental, con esbozos muy tenues del Japón de la época de preguerra, aunque sinceramente es lo que menos interesa, por supuesto, me queda la duda de si como se indica al final de la misma, está basada en hechos reales.

TRONCHA

"Casshern" de Kazuaki Kiriya

Original y sorprendente producto del señor Kiriya, a través de la película logra sumergirnos en un futuro totalmente apocalíptico y gobernado como en otras ocasiones, en películas de este corte, por una clase superior al resto, o que de alguna manera así lo creen, gente sin escrúpulos, adictos al poder, que utilizan cualquier recurso para mantenerse en él, a costa incluso de la misma humanidad. Curiosa contradicción, el exterminar a la humanidad para de alguna manera gobernarla.

La estética de la película es una de sus mejores aportaciones, esa saborcillo a años 30, mezclado con artilugios de los principios de la aviación, este conjunto da una estética y una ambientación muy curiosa, envolviéndolo todo, aunque de sobra sepamos que todo está construido por ordenador, insito que el mundo creado se hace bastante creíble.

Por supuesto, en este mundo futuro la genética ha sufrido un desarrollo espectacular, y los avances de la misma, no pueden evitar volverse contra el propio ser humano a través de las neo-células, y su consecuencia los llamados neo-sapiens, revolucionarios clones fabricados de retazos que por supuesto desean su trozito de fama y poder en un radiactivo y contaminado mundo.

Toda esta serie de circunstancias hacen de Casshern un film reivindicativo, de denuncia por parte del director japonés, pero estas dos características se suponen tan obvias dentro del film, que la explicación del final se nos hace innecesaria, a la vez que con una carga lacrimógena que no aporta nada, sino que de alguna manera alarga el metraje, algo que también es criticable, aun teniendo en cuenta que el tempo de los cineastas orientales es más lento, en este caso se alarga en demasía por el exceso explicativo de la obra.

No obstante los personajes se ven sumergidos en numerosas ocasiones en una dimensión extraña, mitad sueño, mitad realidad, incluso son espectadores de sus propias muertes y desvelos, durante algunas de las escenas se puede apreciar cierta influencia de la película “The Wall” (Pink Floid) y por supuesto en lo que son los combates, y luchas la sensación plena es de estar dentro de un videojuego, alternando con imágenes en blanco y negro, en las que se expresa casi siempre la máxima dureza, contrastando con el amor que parece inundar, tanto a los de un bando como a los de otro.

En definitiva resulta un producto original, por la visión futurista que se le imprime al largometraje, y por supuesto el punto de vista del director japonés, siempre pienso que Japón por muy adelantado que esté en el tiempo siempre está encadenado por sus ancestrales tradiciones y costumbres, de hecho por mucha tecnología variopinta que aparece en la película, las armas de lucha elegidas son las tradicionales y por encima de todas, por supuesto la maravillosa katana.

TRONCHA